Restauradores

Por Jaime Luis Martín (30 de Marzo, 2009)

La Asociación de Conservadores y Restauradores de Bienes Culturales del Principado de Asturias es una organización muy dinámica que pretende agrupar a profesionales relacionados con la conservación y restauración del patrimonio asturiano y trabaja para dar apoyo a los profesionales encargados de preservar nuestro patrimonio cultural. Cuenta con este blog

Por otra parte la publicación on-line Restauras es una iniciativa de los profesores de restauración de la Escuela Superior de Arte de Asturias. Recoge recursos didácticos, propuestas y vínculos vinculados con la gestión, restauración y conservación de bienes culturales. Como complemento de la revista cuenta con una biblioteca que se puede consultar desde aquí, gestionada por Alma Barberana Fernández y Maria Sedano Galán, profesoras, también, de la Escuela Superior de Arte de Asturias.

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El gueto femenino

Por Jaime Luis Martín (25 de Marzo, 2009)

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XV Concurso de Mujeres Pintoras del Oriente de Asturias
Del 4 al 31 de Marzo
Sala Cajastur.Avilés

No logro entender los beneficios de los concursos, ya sean de pintura, poesía o cocina, a los que sólo se pueden presentar mujeres. Se puede argumentar que se trata de una discriminación positiva, pero más parece que se enmarcan en las trampas ideológicas que el crítico de arte Robert Hugues denominó, tan acertadamente, «la cultura de la queja», refiriéndose a la victimización de las minorías con el fin de sacar algún provecho en el ámbito público. En este caso, la exposición se encuentra patrocinada por el Centro Asesor de la Mujer de la Mancomunidad Oriente de Asturias, el Ayuntamiento de Llanes, el Instituto Asturiano de la Mujer y Cajastur. Y aunque nadie dude de las buenas intenciones de estos organismos, estas prácticas de arropamiento sólo consiguen ocultar los verdaderos problemas mediante una ficción paternalista y terapéutica. 


Está claro que con estos pintorescos concursos lo único que se consigue es que temas realmente serios y preocupantes, como la desigualdad de la mujer, se reduzcan a lo anecdótico, primando la gazmoñería de lo políticamente correcto sobre las causas que perpetúan estas diferencias inexplicables. Pero basta con mirar el diseño del díptico que acompaña la exposición para darse cuenta de que nos encontramos ante una estética «kisth» con influencias ilustrativas de la novela «Mujercitas» de Louise May Alcott, un libro-guía de 1868 para educar moralmente a las chicas. Pero hoy la moral va por otros caminos y no parece el momento de recordar que lo verdaderamente preocupante, como la violencia de género, la discriminación salarial o el afrontar, de una vez por todas, una auténtica coeducación en las aulas, siguen estando ahí, sin resolver, para vergüenza de todos, aunque, ciertamente, las mujeres son las que más sufren las consecuencias. 


Pero además el magnífico cuadro «Cristina y Aliune van a Senegal», de Cristina Cuesta, ganadora del premio «Cajastur», ¿no puede competir con otras producciones pictóricas masculinas?, ¿necesita para ganar refugiarse en un gueto femenino? Para nada, pues en este trabajo Cristina entrega lo mejor de su pintura: la esencialidad de un lenguaje que se mueve entre la presencia y la ocultación, recuperando la severidad y la contención, la vitalidad y las tensiones que caracterizan su entorno pictórico. Y el «Paisaje romántico», de Chechu Álava, realizado «a fuego lento», meditativo, trabajado capa a capa, con la convicción de estar realizando una obra intemporal y misteriosa, ¿puede prescindir de toda la pintura masculina del siglo XIX en la que se mira y a la que evoca, actualizando y revitalizando la historia formal y emocionalmente? 


El jurado, por otra parte, concedió el 2.º premio «Pintora de la comarca oriental» a María Jesús de la Riva Villa, y cuatro menciones especiales a Esther Cuesta Marta Fermín, María Suárez Valdés y Ana Vila Santos, que ensayan distintas propuestas ligadas a una modernidad con el color y la mancha como protagonistas, pero sin despreciar una figuración, como en el caso de Esther, de raigambres literarias. 


En cualquier caso, para afrontar el papel de la mujer en el arte acciones como las llevadas a cabo por la Guerrilla Girls parecen más apropiadas que estos concursos. Este grupo feminista instaló, en 1989, un cartel -una reproducción de la Gran Odalisca de Ingres llevando una máscara de gorila- frente al Metropolitan Museum de Nueva York con la pregunta: «¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Metropolitan? Menos del 5% de los artistas en las secciones de arte moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos».


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Arte en la edad del pavo

Por Jaime Luis Martín (23 de Marzo, 2009)

Totalmente recomendable el artículo Arte en la edad del pavo de Elena Vozmediano publicado en el nº 333 de la Revista de Occidente. La presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo y crítica de arte reflexiona sobre la progresiva infantilización del arte, convertido el pensamiento y comportamiento adolescente prácticamente en un ideal. Un fenómeno cultural y social que esta influyendo de manera determinante en el ámbito adulto y en la producción artística. El artículo se puede leer aquí.

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Tres libros gratuitos de José Luis Brea

Por Jaime Luis Martín (22 de Marzo, 2009)

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Nuevas Estrategias alegóricas (1991), Un ruido secreto (1996) y La era postmedia (2001) son tres libros de referencia de José Luis Brea, los dos primeros agotados en librerías, que se pueden descargar de forma gratuita, bajo licencia Creative Commons, desde aquí.

En el caso de La era postmedia el propio autor lo define “como un ensayo cuyo objetivo es proporcionar los más diversos materiales para abordar críticamente la aparición de ese nuevo escenario de la acción creadora y comunicativa que es Internet”. Realmente recomendable.

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Cinco individuales

Por Jaime Luis Martín (18 de Marzo, 2009)

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Diversidad
Del 6 al 25 de Marzo de 2009
CMAE. Centro Municipal de Arte y Exposiciones

La muestra colectiva «Diversidad» reúne a Trinidad Formoso, Raquel Miranda, Cristina Ortiz, Ángeles Palomeque y Pilar del Val, que tienen en común el haber pertenecido al Taller de Humberto, aunque posteriormente cada una ha seguido trayectorias diferentes, pero manteniendo en común una enseñanza fundamental: cobijarse bajo formas experimentales y vanguardistas para afrontar con un poco de lucidez artística estos tiempos del «todo vale». Aunque ello suponga la repetición de fórmulas que, de algún modo, se compensa mediante un buen trabajo técnico. 

«La pluralidad de puntos de vista -señala Julia Barroso en el catálogo- y la elección de lenguajes personalizados marcan la obra de estas creadores vocacionales en su conjunto y ajenas al hecho de las modas en el arte». Ciertamente más que de un grupo estaríamos hablando de una serie de individualidades que convergen en la necesidad de expresarse, un empeño en encontrarle el pulso a un formalismo pictórico vinculado a las diferentes tendencias que fluyeron desde los inicios del siglo precedente; un digno y, en muchos casos, notable ejercicio pictórico no exento de interés. En el caso de la ovetense Trinidad Formosa, que ha obtenido diversos premios y realizado numerosas exposiciones colectivas, practica una figuración que tiene como protagonistas los troncos de árboles, un motivo repetido que sugiere ordenaciones geométricas que otorgan un protagonismo destacado a la línea y a la luz. Raquel Miranda, con exposiciones individuales en las salas de Cajastur de Gijón, Mieres y Avilés (2007) y galería Benedet en Oviedo (1994), se sirve de formatos circulares y cuadrados en sus composiciones. Estas abstracciones que son residuos de objetos, fragmentos de una realidad descompuesta en formas y colores funden diferentes imágenes que se interrumpen y entremezclan como sucede en la serie «deconstrucción». 



Muy diferente es la mirada de Cristina Ortiz, que ha expuesto recientemente en la galería Amaga en Avilés (2008) y continúa en esta muestra su experimentación en torno al «collage» de reminiscencias cubistas, aspirando al máximo realismo en el cuadro porque el elemento «pegado» proporciona «una perspectiva distinta -como señalaba Braque- de si este elemento fuese imitado». Ángeles Palomeque ha expuesto individualmente en la galería Benedet en Oviedo (1999), así como en diversas muestras colectivas, obteniendo el premio de adquisición en el V Premio de Pintura de la Junta General del Principado de Asturias. Su pintura revuelve en la abstracción a través un gesto enérgico y un trazo fluido. La mancha se erige en protagonista de estas tensiones creativas que exploran los matices de la materia y la luz. La avilesina Pilar de Val, que expuso en la galería Dasto (2006) y ha sido seleccionada en diferentes certámenes de pintura, consigue visiones, ciertamente interesantes, de estructuras territoriales. No son planos, pero pueden contemplarse como diagramas de la ciudad, una ordenación del caos recurriendo a la geometría y a una contención del color. 


En fin, la sensación de que nos encontramos ante cinco exposiciones individuales se acentúa al percibir el gran número de obra aportada por cada artista, que ha forzado un montaje que no deja espacios al vacío, produciendo un cierto agobio en la mirada. Pero, en todo caso, el entusiasmo de estas creadoras compensa cualquier deficiencia.

Fotografía:Miki López

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Apropiaciones

Por Jaime Luis Martín (11 de Marzo, 2009)

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Cinema AD
Gabriel García
Carteles
Del 3 al 29 de Marzo
Casa Municipal de Cultura de Avilés

Durante el siglo XX la apropiación formó parte de los recursos artísticos habituales, sólo hay que pensar en Picasso recreando los famosos cuadros de Delacroix, Velázquez y Manet o a Frances Bacon reinterpretando el famoso retrato de Inocencio X, sin olvidar a Rauschemberg entremezclando imágenes barrocas y de la actualidad social de los años sesenta. Pero es en la década de los ochenta cuando se produce una radicalidad del concepto y el apropiacionismo termina cuestionando una modernidad basada en la originalidad y la evolución. En un primer momento, con la transvanguardia italiana reciclando todo cuanto se ponía a mano para elaborar un producto con cierta pátina clásica, más allá de la historia, reforzando la idea de genio con el único fin de seguir vendiendo a una burguesía que necesitaba de «obras maestras» con matices reaccionarios para sentirse satisfecha. Paralelamente a esta vuelta al orden artistas como Sherrie Levine, Robert Mapplethorpe o Morimura abren un camino crítico que cuestiona las nociones de «originalidad, autenticidad y presencia» como señala Juan Martín Prada.

En la estela de esta última tendencia de mayor interés estético se enmarcan los trabajos de Gabriel García (Madrid, 1979), licenciado en Bellas Artes y ganador, la pasada edición, del premio «Culturaaquí», del Instituto de la Juventud, en la modalidad de diseño gráfico. El artista parece tener claro que la cultura contemporánea debe dialogar con diferentes épocas revelando aquellas notas marginales que cuestionan una realidad aparentemente próspera y sin mayores conflictos. Se trata de elaborar una nueva manera de ver, reciclando tramas pasadas para establecer nuevos códigos. «La evolución del arte -señala Gabriel García- nace de honrar el pasado y reinterpretarlo hasta conseguir algo nuevo». 


En la colección de doce carteles pertenecientes a la serie «Cinema AD» se aúnan los lenguajes de la publicidad y el cine para producir una experiencia en los márgenes más gamberros de la creatividad. De hecho no sólo se produce la apropiación de diferentes mitos cinematográficos, sino que se zapea por diversos estilos gráficos: desde el Vintage Art, pasando por el Art Decó a la estética de la propaganda de la guerra fría. Incluso se apropia de aquellos errores de impresión como los desajustes de plancha y los desplazamientos de los colores. En este sentido el artista revuelve en las diferentes épocas y expresiones para conseguir un resultado renovador sirviéndose de materiales usados. De la publicidad absorbe la forma y el mensaje que manipula, produciendo rupturas en su recepción. Y de los mitos del cine aprovecha su carácter reconocible y universal para situarlos fuera de contexto, generando nuevos significados, como sucede cuando el famoso androide C3PO abraza al robot María de la película «Metrópolis». 


Esta combinación de estilos y mezcla de géneros, que desplaza, intencionadamente, el concepto de originalidad, produce resultados tan frescos como el cartel alusivo a «Alien», que realiza un llamamiento a no interrumpir la concepción porque «negar la posibilidad de vida a un Alien es incurrir en un grave atentado contra la palabra de Dios». En estas estrategias de tonos satíricos que respiran una golfería muy saludable es donde mejor se aprecia el talento de este joven creador. Porque los carteles de Gabriel García resultan todo un lujo en estos tiempos de pobreza creativa donde todo el mundo copia pero muy pocos conocen y saben emplear con maestría, como en este caso, el lenguaje de la apropiación.


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Se hace camino al andar

Por Jaime Luis Martín (9 de Marzo, 2009)

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There is No Road (the road is made by walking)
Hasta el 16 de marzo
Laboral. Centro de Arte y Creación Industrial

Con la exposición There is No Road (the road is made by walking), traducción al inglés, en un incompresible empeño del comisario, del famoso verso de Antonio Machado, LABoral se desvía de las autopistas tecnológicas para tomar senderos más apartados, recorriendo el camino como una experiencia reveladora, y más próxima al territorio que en anteriores muestras. Ciertamente las montañas, el paisaje y el camino trazan las líneas en la que se enmarca esta propuesta que respira aires conceptuales, pictóricos, videográficos y utópicos junto con contaminaciones románticas. Una caminata visual por tierras asturianas y lugares recónditos sin la radicalidad que proponía Thoreau de prolongar el más breve de los paseos, con imperecedero espíritu de aventura, para no volver nunca, pero al menos conscientes de que caminar es la respuesta como afirma Hamish Fulton. En este sentido el caminante reinventa el paisaje, lo modifica con su acción, apartándolo de experiencias nostálgicas, para reconducirlo hacia nuevas dramaturgias.

Pero es de agradecer a Steven Bode, comisario de la muestra, su apuesta arriesgando con nombres poco conocidos en el panorama internacional, a excepción de Ibon Aramberri, que presenta el proyecto North Side exhibido en la última Documenta de Kassel, que investiga sobre la narrativa de la escalada de montaña y su traslación fílmica. Cabe, también, destacar el acierto en seleccionar al asturiano Roberto Lorenzo, que basándose en la experiencia de la escaladora Rosa Fernández despliega una ruta videográfica de aires cotidianos y románticos, que es toda una celebración de la naturaleza.

La montaña y el paisaje asturianos son protagonista de las obras Simon Pope y los escoceses Alexander y Susan Maris. En el primer caso mediante una instalación sonora, una narración oral a tres voces entre el artista, un pastor y la traductora en las estribaciones de los Picos de Europa. El vídeo de Alexander y Susan Marris, construido alrededor del Pico Urriellu, traza un itinerario conceptual estructurado según las horas canónicas y los aquelarres de la Rueda del Año Celta.

Los recortables de pared de gran formato de Annabel Howland se disuelven, a la entrada de la exposición, como piezas excesivamente decorativas. De mayor interés resulta la propuesta de Simon Faithfull que registra en vídeo un viaje, asistido mediante GPS, por el meridiano que atraviesa el este de Inglaterra, siguiendo una línea recta por diferentes lugares, salvando todos los obstáculos, en una acción que evoca Made by Walking de Richard Long. La videoinstalación ahead de A K Dolven y la instalación videográfica El aliento de Chomolugma de Gabriel Díaz recurren, en su exploración, a recursos pictóricos: el color, los cambios de luz y el encuadre. En esta visión, de connotaciones míticas, también indaga Erika Tan, cautivada por el monte Fuji.

El viaje, entre nubes, de Ergin Çavasoglu por una carretera de la costa francesa remite a la tradición del paisaje marino, mientras que el finlandés Axel Antas recorre los caminos fronterizos entre España y Francia aproximándose al enfoque romántico de un paisaje diluido entre nieblas. Como también resulta imperceptible, brumosa y espectral la obra Man in the Snow de Lutz & Guggisberg, una proyección en vídeo de un hombre escalando.

Y en todo caso estas historias remiten al paisaje de montaña, al vagabundeo sin ruta previa, a lo inexpresable que no está en nigún lugar remoto sino en lo que sucede, en la experiencia de caminar. Para al final de la caminata llegar roto, sin aliento, a comprender lo esencial: se hace camino al andar.

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Pánico Genital

Por Jaime Luis Martín (8 de Marzo, 2009)

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En 1969 la artista austriaca Valie Export llevó a cabo una de sus acciones mas radicales Aktionshose: Genitalpanik (Acciones de pantalón: Pánico Genital). Se fue a un cine de Munich blandiendo una metralleta y vestida con cazadora de cuero y unos pantalones con una abertura en forma de triángulo invertido a la altura de su sexo. Y se paseo entre la butacas poniendo sus genitales a la altura de los ojos de los espectadores. De esta manera no sólo criticaba el papel de la mujer como sujeto pasivo en la historia del cine, sino que reafirmaba su diferencia obviando cualquier complejo de castración y asumía con la metralleta en la mano un rol femenino más activo y transformador.
Su imagen constituye, todavía, una referencia provocadora para cualquier debate político y feminista.

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Paisaje de sensaciones

Por Jaime Luis Martín (4 de Marzo, 2009)

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Agustín García
Pinturas/Esculturas
Del 20 de Febrero al 17 de Marzo
Galería Amaga

El paisaje sigue siendo el argumento principal de la pintura de Agustín García (San Juan de los Montes, Burgos, 1958), un «anarquista pictórico», como él mismo se definió, miembro y fundador del grupo Panta Rei, que ha expuesto individualmente en la galería Dasto en Oviedo, en la galería de arte Ármaga en León y en la sala Picasso del centro cultural Caja Rural en Toledo, por citar las más significativas. Este artista deambula entre la renovación de la tradición paisajística y su compromiso con el paisaje histórico, como sucedía en la serie «Lágrimas rojas/Lágrimas negras» (2004). Entonces los campos se veían salpicados de imágenes de la Guerra Civil española o del sufrimiento anónimo en diversas partes del mundo. En esta visión el rastro de la muerte y el dolor impregnaba una tierra ocre y fragmentada. 


En la vertiente más formal, pero no menos interesante, Agustín ha sabido investigar en el paisaje teniendo siempre presente una mirada que se pierde en la orografía castellana, evocando a Díaz Caneja, pero con desplazamientos hacia la abstracción. Por otra parte, la experimentación ha evitado que su obra desemboque en delicadezas decorativas, afianzando revueltas intensas y emotivas. A este respecto, Javier Hernando ha señalado que el artista persigue «la representación de la esencia del paisaje, lo que le lleva a suprimir no sólo cualquier tipo de anécdota, lo que podría definirse como superestructura del paisaje: árboles, construcciones, seres vivos… sino también la imagen particular, reconocible, de lugares específicos». Una esencia que lo aleja de cualquier frivolidad paisajística para desembocar en procesos de síntesis y emotividad. Si pensamos en la banalidad del paisaje actual, llevado y traído por las industrias turísticas y del espectáculo, que ha desembocado en una terrible vulgarización, comprenderemos mejor la importancia de estos trabajos caracterizados por el despojamiento y el silencio. 


Por eso los paisajes de Agustín García, sobre todo aquéllos más radicales en los que reduce las referencias iconográficas o las simplifica en un solo motivo repetido, exploran la parte invisible del territorio; apartada la mirada de aquellos territorios vacíos y abandonados que ya no vemos, acostumbrados a un paisaje modelo y reconocible. En estos paisajes, aunque perviven signos figurativos, derivan hacia un armazón geométrico, racionalista, una cartografía determinada por la contención en el color, los lindes que delimitan la infinitud y la ausencia de la figura humana. Algunos elementos como los árboles, el sol y la luna perviven remarcando, como notas poéticas, un espacio compartimentado, definido por las líneas y las divisiones, unas estructuras que pueden recordar a Torres García en su representación esquemática de la realidad. 


Sus esculturas en bronce, que presentó por primera vez en el año 2008 en la galería Dasto, son un trasunto de sus paisajes pictóricos y, al igual que en ellos, la sobriedad representa la clave de estos trabajos. Pero lo que el artista busca, al margen de los materiales con que trabaja, es emocionar, que la obra haga sentir y no se quede en un mero ejercicio formalista, sino en una propuesta de sensaciones.

Foto:Miki López


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Medialab-Prado

Por Jaime Luis Martín (3 de Marzo, 2009)

Medialab-Prado es un espacio orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital que explora la confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. La web mantiene un archivo de las conferencias en formato vídeo que resulta realmente interesante. Aconsejable la conferencia y posterior coloquio con el antropólogo Manuel Delgado que larga durante más de una hora sobre el espacio público como espacio de y para la comunicación. También se puede seguir el seminario del 3er Encuentro Inclusiva-net: net.art (segunda época) que actualmente se esta realizando, así como el archivo de las dos anteriores convocatorias.

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